O MUNDO ART DECÓ

Os anos 1920 foi a época de mudanças comportamentais e estruturais na sociedade, que moldaram aspectos do nosso mundo contemporâneo. Um dos movimentos mais interessantes dessa época foi o Art Decó (1925-1935) que pretendia ser mais do que um movimento artístico moderno, a intenção era ser um movimento cultural que envolvesse aspectos sociais, tecnológicos, econômicos e também artísticos. Foi nessa época que se começa a usar um novo arsenal tecnológico com o uso de materiais como: aço inoxidável, vidro, plástico e alumínio de uma forma mais alongada é o início do culto as máquinas.

Começou como um movimento luxuoso voltado para a burguesia que enriquecera no pós guerra, usava-se materiais que podiam ser produzidos em massa. Rapidamente se tornou modismo internacional. Selecionei aqui algumas áreas de destaque do estilo Art Decó considerando suas principais características como: geometrização das formas, inspiração cubista, inspiração em culturas antigas como Grécia, Egito e África e inovação- tradição.

Auto retrato 1925 (Tâmara no Bugati verde)

Art Decó na pintura- Tamara de Lampicka desenvolveu um estilo que encarnou a folia dos anos 1920, da mulher bela, emancipada, moderna e escandalosa. Personagem de noitadas Nova iorquinas e salões parisienses. 

Art Decó no Design Gráfico-  Poster do filme Metrópolis de 1927 em que se sobressaem a leveza dos detalhes, formas geométricas, monumentos grandiosos e uma clara pretensão moderna. 

Art Decó na Arquitetura- fachadas com rigor geométrico geométrico e ritmo linear com fortes elementos decorativos em materiais nobres. predominância de linhas verticais que tornam o edifício mais alto. 

Art Decó na Moda- roupas mais confortáveis e largas, cabelos curtos, formas achatadas sem o uso do espartilho indicativo dos movimentos de emancipação feminina. Influência do visual vampírico do cinema mudo. 

Art Decó nos interiores- modernidade e sofisticação na decoração com o uso de produtos nobres como o madre perólas, vidros e espelhados, cantos arredondas, com tendência a linhas mais simples. 

NARCISISMO DA NOSSA ERA

Lembro perfeitamente que uma das primeiras histórias que me impressionou foi o mito grego de Narciso o belo rapaz que para ter vida longa não poderia se ver, quando ele se viu ficou tão enamorado de sua beleza que fundiu-se consigo mesmo e afogou-se na própria imagem. Esse mito nunca foi tão atual para pensar o contexto em que vivemos onde um dos maiores valores da nossa época é a exposição. Somos vítimas e reprodutores de sua lógica.

Vejo uma certa patologia no exacerbamento do narcisimo contemporâneo, indo além daquilo que Freud escreveu a 100 anos em seu texto Introdução ao Narcisismo. Muitos autores, dentre eles Bauman, o sociólogo, mostra que ascensão social está guiada necessariamente pelo crescimento material, os indivíduos tendem a se fechar em si mesmos fugindo da hostilidade do mundo e supervalorizando suas imagens para compensar seus vazios existências e se expondo cada vez mais intimamente em especial nas redes sociais.

O que interessa hoje é sair bem na foto, a aparência associada a exposição material nunca foi tão valorizada. Principalmente se o cenário for um por de sol cobiçado, uma praia paradisíaca, um restaurante da moda, uma loja badalada, um hotel caro. Quando não se tem imagem para comprovar, ou não há tempo para faze-lo se expõem a localização geográfica com precisão cirúrgica. Quando eu estudei fotografia meu professor mostrava um lado curioso, a fotografia expõe um certo que melancólico ao mostrar aquilo que já não é, o instante fugidio de uma coisa viva. Nesse sentido o auto retrato tão banalizado hoje (selfie) é o contrário porque seu objetivo não é o outro, mas a auto afirmação.  

            No entanto, não quero generalizar, longe de mim pensar que todos que fazem selfie  sofram de narcisimo patológico, o que se peca é pelo excesso. Mas, não posso deixar de perceber, nem de indicar que se trata de um sintoma do nosso tempo, de uma sociedade que investe cada vez mais na fugacidade e na banalidade de uma profusão de imagens mortas. Contudo, não deixo de pensar talvez esse modo de aparecer, seja o nosso novo modo de ser.

COMO OZ CHEGOU A SER OZ?

Reafirmo o que disse em outros textos dentre as artes o cinema é o meu melhor remédio, minha maior influência e minha melhor inspiração. Ontem após um dia nebuloso resolvi ver o mundo se tornar colorido através das lentes do Mágico de Oz (1939). Percebi o quanto que os personagens do filme serviram de estereótipos para mim, para as culturas de massa, para a nossa contemporaneidade, em especial a bipolaridade entre o que seria o bem e o mal. Me fez muito bem ver o pulsante cenário em Tecnicolor, com suas flores de plástico seu horizonte pintado, suas fumaças amarelas, sua cidade das esmeraldas reluzentes.

Aprecio filmes em que a história apresente boa longevidade e quanto a isso Oz cumpre bem o seu papel. Para mim é o equilíbrio entre infância, diversão e uma bela mensagem da universalidade do amor, do apego a terra natal e a família. Vendo o filme com meus olhos de adulta percebo que Judy Garland, empresta a Dorothy um olhar amoroso e cativante, que nos faz acreditar que realmente ela conseguirá voltar para casa. Minha cena preferida, talvez uma das melhores de todo o cinema é quando ela, já com os indefectíveis sapatos vermelhos segue obstinada o caminho de tijolos amarelos em busca de seus objetivos.

Não me incomoda a inspiração teatral do filme, me admiro como uma técnica nova na época como o Tecnicolor foi tão bem empregada. É tudo absurdamente bonito. A bondade de Dorothy em ajudar os que encontram em seu caminho (Espantalho, Homem de Lata e o Leão) é universal e a ideia que é preciso acreditar em si mesmo não envelhece. Considero um dos melhores filmes já feito, provando que um filme infantil não precisa ser necessariamente tolo para divertir. A bela mensagem e as excelentes interpretações ainda terão denso significado por muito tempo, tanto para a história do cinema, quanto para expectadores de todas as idades.

AS PERSONAGENS FEMININAS MAIS TRANSGRESSORAS DO TEATRO

            Acredito que a rebeldia tem um conteúdo dramático fundamental porque possibilita que um personagem supere seus limites e lute contra forças superiores estabelecidas. O destino, o poder, as normas do seu tempo, a própria morte. Selecionei quatro personagens que considero símbolos da contestação.

Antígona (Sófocles, 442 a.C.)- encarna o mito da rebeldia da pólis grega. Para ela não há escolha possível não há escolha possível: sua ação (sepultar o corpo do irmão contra a ordem do rei) é justa e necessária. Não admite submeter a sua ética a leis injustas, resta a ela se rebelar em sacrifício.

Julieta (Shakespeare, 1597)- é capaz das maiores transgressões pela paixão. Contraria os pais e recusa-se a casar com seu primo Teobaldo. Apesar da guerra ente as duas famílias une-se a Romeu em segredo. Mesmo com o fim trágico não deixou de viver sua paixão.

Santa Joana dos Matadouros (Bertolt Brecht, 1932)- Joana é uma líder proletária de uma revolta de trabalhadores dos matadouros, mas tem uma fragilidade no fundo acredita que todo homem é bom. Seduzida pelo patrão acredita que pode converte-lo, não consegue levar uma mensagem às outras fábricas. Por sua culpa a greve geral naufraga. Joana a partir de sua contradição, toma consciência do seu erro na hora da morte.

Geni (Toda Nudez Será Castigada, Nelson Rodrigues, 1965)- traz em si os dois arquétipos da mulher rodriguiana: a santa e a prostituta. Sua rebeldia está na síntese destes opostos. Geni é a prostituta que se apaixona por Herculano, mas não aceita ser amante dele  exigindo casamento.

PARIS-MANHATTAN: CATIVANTE FILME DO CINEMA FRANCÊS

 Vi Paris Manhattan (França-2013) de forma totalmente despretensiosa e reafirmo minha impressão de que a França se impõe com sua política cultural de ideias indo além de um pretenso valor comercial. A diferença com os EUA é que arte não é comércio no cinema francês, mesmo que seja muito difícil de se seguir essa matriz de produção. Paris Manhattan é um filme incompreendido por parte da crítica que não legitima seu verdadeiro valor.

O filme é uma obra cativante porque homenageia o cinema francês, Wood Allen, o grande cineasta estadunidense e exalta o papel do romance na vida das pessoas. Alice (Alice Taglioni) é uma farmacêutica que não tem sorte no amor e para curar suas carências é viciada nos filmes de Wood Allen, na verdade ela se sente como se recebesse conselhos do cineasta e esses conselhos são baseados em diálogos de filmes seus. Adorei a ideia de colocar a personagem como uma farmacêutica-filósofa que receita filmes de Allen para curar solidão, traumas e outros problemas de alguns clientes.

É um filme simples mais valoroso, que trata da solidão do amor. Os pais de Alice sofrem juntos e silenciosos a doença da mãe. A irmã mais nova vive um estranho casamento. O romance de Alice e Vítor (Patrick Bruel) começa de forma tumultuada e evolui de admiração para amizade e finalmente paixão que se consolida com a presença inesperada do próprio Wood Allen. A cineasta estreante Sophie Lellouche produziu um filme simples mais cativante e o segredo pode ser a sinceridade com que trata seus personagens. Belo filme que transcede a produção meramente mercadológica.